Статьи

Советы по хранению и уходу за художественными материалами

Начинающему художнику важно знать не только, как использовать художественные материалы, но и как их хранить и как правильно за ними ухаживать.

При работе с акварелью всегда лучше пользоваться палитрой. Таким образом удастся сохранить цвета яркими и чистыми. Если в ёмкость для краски попала грязь или другой оттенок, промойте её мокрой кисточкой, постоянно очищая кисть в баночке с чистой водой.

Иногда начинающие художники хотят ускорить процесс и очищают акварельные краски под струёй воды, но этого делать не стоит.

С помощью губки лучше убирать излишнюю влагу из кювет после рисования, а саму коробку с акварелью оставляйте открытой на несколько часов, чтобы краски немного просохли, и только после этого закрывайте крышку.

Иначе акварель впитает влагу и станет липкой.

Особого подхода требует акварель в тюбиках. Она постоянно хранится в полужидком состоянии с добавлением различных наполнителей для нужной консистенции. Поэтому со временем, из-за попадания воздуха, краска может расслаиваться. Чтобы этого избежать, нужно тщательно перемешать спицей или зубочисткой и только затем выдавливать на палитру.

Рисуем человека акварелью:
5 советов от Юджи Кай

В этом материале мы собрали несколько простых и эффективных секретов, которыми пользуется художница из Тайваня и преподаватель ARTLIFE ACADEMY Юджи Кай.

1. Важную роль в изображении человеческой фигуры в движении играет насмотренность художника. Проще всего натренировать этот навык, наблюдая за прохожими. Вы можете выйти на улицу или просто выглянуть в окно и схематично зарисовать увиденное линером в скетчбуке.

2. Быстрый скетчинг художница советует делать по схеме: волосы => лицо => одежда (от верха к низу, слева направо, если вы правша, и наоборот, если левша) => ноги => руки => детали (принт на одежде, причёска и так далее).

3. Для того чтобы придать скетчу динамику, не стоит делать ноги персонажа одинаковой длины. Изображать края одежды лучше по дуге или волной, имитируя движение, а если на одежде есть принт (к примеру, полоска), то её тоже рисуем дугообразной, а не прямой.

4. После быстрого скетчинга линером приступайте к добавлению цвета, начиная с одежды. Цвет тоже играет важную роль в динамичном изображении. Так, тени можно передать при помощи лессировки (добавления в теневые участки более тёмного оттенка поверх более светлого), а игру света изобразить через оттенки разной насыщенности или смешение близких оттенков (к примеру, голубого и фиолетового). После высыхания слоя добавляйте цвет деталям одежды, а в самом конце закрашивайте открытые участки тела, также используя лессировку.

5. Не старайтесь прорисовывать персонажей детально. Гораздо важнее передать динамику и настроение, поэтому вы свободны играть с пропорциями, перспективой и оттенками!

Как производят акварель?

Какие особенности акварельной краски отличают её от других материалов для живописи?

Акварельная краска должна:

- обладать высокой прозрачностью
- хорошо размываться и наноситься на кисть
- ровно ложиться на бумагу, без пятен и точек
- повторно растворяться в воде даже после полного высыхания
- не осыпаться с бумаги и образовывать после высыхания прочный, не трескающийся слой

Производство акварельной краски началось в Китае во II веке до нашей эры. Как в наши дни производят акварельную краску, завоевашую воображение тысячи художников?

Минеральное сырье

Минеральное сырьё нужного цвета измельчают до мелких частиц. Таким образом получается пигмент, не растворимый в воде. Чем меньше частицы, тем выше сорт краски.

Связующее вещество

На этом этапе краска получает такие свойства, как прочность после высыхания и образование плёнки. Массу соединяют с веществом, например, гуммиарабиком — смолой из некоторых видов акаций. Также используются более бюджетные компоненты. Например, декстрин, получаемый из крахмала.

Акварельное тесто

Полученное глинообразное тесто раскатывают и оставляют сушиться. Если акварель будет продаваться в тубах, то в неё добавляют дополнительные вещества — пластификаторы. Например, глицерин или мёд.

Фасовка

Высохшую акварель формируют кусочками, создают для неё упаковку и отправляют на полки.

Интересно, что каждый пигмент обладает индивидуальными характеристиками и требует определённых компонентов в составе.

Как правильно выбирать акварель?

Каждый художник сталкивается с проблемой выбора акварели: в тубах или кюветах, жидкая или твердая. Рассказываем про характеристики, которые подскажут какая акварель подойдет вам.

Виды акварели:

Твердая акварель

Акварельная краска, которую мы часто встречали на уроках рисования в школе. Состоит из натуральных веществ, в том числе сахар или патока, благодаря этому акварель называют «медовая». Отличный экономный вариант для иллюстраций.

Полутвердая акварель в кюветах

Часто используется для небольших работ и скорых зарисовках. Компактные и долго хранятся, акварель в кюветах хорошо смешивается и дает яркие цветовые тона. Выпускается в картонной и пластмассовой коробочках, вторые удобны для смешивания. И никаких «сюрпризов» при транспортировке, как это может быть с жидкой акварелью.

Акварель в тубах

Классический образ художника как правило ассоциируется с краской в тубах и большой палитрой. Этот вариант требует от художника хороших навыков смешивания красок. Главные достоинства акварели в тубах: всегда чистый насыщенный цвет, небольшой расход.

Жидкая акварель во флаконах

Техника работы с жидкой акварелью имеет свои особенности. Этой краской можно рисовать кистью, пером, рейсфедером, а также можно заправить аэрограф. Цвета получаются яркими, насыщенными. Краску из баночки надо брать пипеткой, чтобы не занести кистью воду и пигменты других цветов.

А вы используете мастихин в масляной живописи?

Насыщенные краски, сложные фактуры, ощущение, что картина написана в 3D — всего этого можно добиться, работая мастихином. Они бывают разных размеров и форм: ромбовидные (самые распространенные), прямоугольные, овальные, многоугольные и др.

— При помощи мастихина вы можете создавать широкие и пастозные мазки, накладывать их один на другой.
— Работать объемными, но точечными мазками, создавая удивительные фактуры.
— Также мастихином легко делать градиент, набирая с палитры несколько цветов одновременно и распределяя их по холсту.

Чаще художники применяют все виды мазков в одной картине, чтобы использовать не только цвет, но и фактуру.

Если вы хотите узнать еще больше про другие техники создания картин маслом, посмотрите наши курсы. В них художники-преподаватели со всего мира рассказывают о разных техниках написания картин маслом, а также проверяют домашние задания.

Как работать маслом?

Техника масляной живописи — одна из самых сложных и самых интересных. Но помимо техники, очень важно уметь ухаживать за кистями и держать в чистоте рабочее место. Сегодня мы хотим поделиться с вами некоторыми хитростями для художников, пишущих маслом.

Как привести кисти в порядок?

Чтобы кисти из натурального волоса (щетина, пони, барсук, мангуст, белка, соболь, коза, колонок) не разрушались под действием растворителей, опустите их на 15−20 минут в средство для стирки натуральной шерсти. После этого кисти надо отжать, придав им форму. После просушки кисти будут выглядеть как новые!

Как сохранить чистоту рабочего места?

Чтобы кисти не пачкались между собой во время работы, используйте разделитель для пальцев ног, используемый во время педикюра. Этот разделитель можно наклеить на прямоугольную пластиковую крышку от одноразового контейнера. Кисти не будут пачкать стол и друг друга.

Мелкие элементы

Чтобы написать много похожих мелких элементов, например, мелкие цветочки сирени, можно сделать так. Связать 4 кисточки резинкой и рисовать такой конструкцией мелкие цветочки, все время поворачивая кисточки пальцами. Так же можно рисовать мимозу, только вместо кисточек соединить ватные палочки.

Чистка кистей

Чтобы минеральный спирт, которым вы моете кисти после работы, всегда был прозрачным, используйте две баночки следующим образом. Оставьте спирт на ночь, а на следующий день, когда частицы краски осядут на дно, аккуратно перелейте чистый спирт в другую баночку. Остатки краски со дна вытрите тряпкой или салфеткой. Повторяйте после каждого сеанса живописи, и ваш спирт для мытья кистей всегда будет прозрачным!

Интервью с художником: Анна Маринова

Сегодня хотим поделиться с вами фрагментом интервью с успешной российской художницей и преподавателем ARTLIFE ACADEMY Анной Мариновой, в котором она рассказала о том, как создавать портреты женщины XXI века, о философии наготы и русском женском характере.

— Чем вас так привлекает жанр портрета?

Меня завораживает то, как природа может производить бесконечное количество разных сочетаний и пропорций человеческих лиц. Порой еду в транспорте, рассматриваю людей и думаю: «Как же это интересно!» Лица пожилых людей, детские лица, молоденькие женские лица… Это можно писать бесконечно, и каждый раз открывать для себя что-то новое!

— Оставаясь в рамках реалистической, академической школы живописи, как создавать свежие сюжеты, современные и близкие сегодняшнему зрителю?

Так как мне очень интересен человек, для меня это всегда — про поиск образа. Какая она, девушка XXI века? Не обязательно ведь это показывать впрямую, через тату или современную одежду. Можно показать это через состояние, через глаза, жесты. Моя цель — возвести сиюминутное в ранг вневременного.

— При этом вы изображаете русский женский характер. Какой он, на ваш взгляд?

Русский женский характер завораживает сочетанием хрупкости и силы. Думаю, именно эта парадоксальность, загадочность так часто ставит в тупик иностранцев. Мне кажется, что сегодня слишком громко звучит тема феминизма, художников обвиняют в объективизации женщины. Поэтому мне так хочется воспевать женский образ. Ведь в этом и есть наша сила: мы не должны соревноваться с мужчинами, потому что мы изначально на разных позициях. Когда смотришь на девушек — юных, хрупких, чистых — понимаешь, что ей не нужно потрясать мечом, чтобы чего-то достичь. Она уже победила просто своей искренностью, своей нежностью.

— Чаще всего вы пишете обнажённую женскую натуру. О чём для вас тема наготы?

О свободе, о принятии себя, о хрупкости, о беззащитности, о естественности. Чаще всего нагота в моих работах продиктована определённой идеей: мне хочется передать моменты жизни, когда мы наедине с собой, когда мы расслаблены, не стремимся кому-то понравиться, когда мы такие, какие есть. Поэтому я не часто работаю с профессиональными моделями, так как у них уже есть заученные позы, жесты, мимика. Мне больше нравится работать с девушками, которые никогда никому не позировали. Они более естественные, живые, в них есть смущение, они не надевают маску. Наверное, в этом и есть смысл наготы — мы не надеваем маску.

— Как вы стали преподавателем в ARTLIFE ACADEMY?

Когда я только увидела команду ARTLIFE, поняла, что непременно хочу работать с этим проектом. Я с радостью откликнулась на предложение записать онлайн-курс, поскольку сама бы никогда в жизни не потянула такой многоступенчатый процесс. Признаться, раньше я скептически относилась к подобным инициативам, но поняла, что в эпоху засилья интернет-курсов, не всегда заслуживающих внимания, и всевозможных образовательных программ сомнительного качества передавать полученные мной знания лучшего учебного художественного заведения нашей страны и опыт, накопленный годами, — мой долг. На протяжении всей работы с ARTLIFE очень приятным было отношение команды, которая принимала меня как дорогого гостя.

— Кому вы бы лично рекомендовали свои курсы?

Я бы порекомендовала свой курс тем, кто хочет максимально раскрыть свои данные и кому близка реалистическая живопись, кому интересно погружение во все ее нюансы — тончайшие полутона, цветовые переходы. Я готова помочь опытным художникам выйти из состояния застоя, обрести второе дыхание и продолжить свой путь, а новичкам — начать его. Но людям без опыта я бы посоветовала, конечно, для начала познакомиться с маслом, пока беспредметно: взять ненужный картон и кистью поделать полоски, кляксы, попробовать поработать мастихином, чтобы просто почувствовать текстуру, как материал ложится. А если кто-то перед началом курса попробует копировать работы старого мастера, то будет вообще превосходно.

Прочитать полную версию интервью, а также другие полезные и вдохновляющие материалы, вы можете в новом выпуске журнала ARTLIFE.

Разбираемся в стиле: символизм

Символизм как художественное направление начал зарождаться в 1870-х годах, а пика популярности достиг уже в начале ХХ века. Идеи символизма прослеживались еще в изобразительном искусстве Древнего Египта, творцы эпохи Возрождения, Золотого Века и романтизма также обращались к символам. Направление значительно повлияло на развитие живописи ХХ века.

Основные характеристики символизма: ⠀

✅ Главная идея заключается в отражении двух миров: реального и потустороннего через тайные смыслы и символы. На картинах часто можно встретить типичные сюжеты — ангелы и демоны, жизнь и смерть, добро и зло.
✅Символ — единственный возможный инструмент, чтобы передать задумку автора, но при этом сделать так, чтобы зритель смог прочувствовать идею через тайные знаки.
✅ Все произведения в стиле «символизм» состоят из знакомых образов, вызывающих к подсознанию и определённым наборам эмоций.
✅ Особое место занимают религиозные сюжеты и знаки, с помощью которых познается глубокий духовный замысел, а также постижение действительно.
✅ Символисты отрицали технический и научный процесс, именно поэтому они черпали вдохновение в классических сюжетах и смыслах.

Известные художники символисты: Эдвард Мунк, Михаил Врубель, Поль Гоген, Гюстав Моро и другие. Важно понимать, что технически большинство произведений написаны с использованием классических канонов живописи. Каждый художник начинает свое творчество с базовых знаний о свете, тени и композиции, а позже использует их для создания шедевров.

В ARTLIFE ACADEMY собраны онлайн-курсы от профессиональных художников, которые помогут каждому в развитии своей творческой профессии.

Разбираемся в стиле: сюрреализм

Сюрреализм как направление зародилось во Франции в 1920-е годы. В его основе — аллюзии, парадоксы, образы, рождённые в воображении художника. Основоположником считается автор первого манифеста сюрреализма Андре Бретон. Французская приставка «сюр-» означает «сверх-». Основные цели сюрреализма — выйти за рамки реальности, попытаться отразить сны, фантазии, мысли из потаенных уголков подсознания. ⠀

Характерные черты:

· Перспектива, передача света и тени соседствуют с фантастическими абстракциями. Хотя содержание оторвано от материального мира, работы подчиняются законам классической академической живописи.
· Парадоксы в сочетании форм, размеров и цветов. В работах встречаются «жидкие» камни, животные с удлиненными конечностями, люди без лица — будто герои и предметы выпали из сна.
· Аллюзии и визуальный обман. Предмет может быть не тем, чем кажется.
· Внешняя фантасмагория сюжетов. На первый взгляд, работа выглядит как визуальный бред, но на самом деле у каждого предмета есть объяснение, основанное на внутренних страхах и желаниях художника.
· Свобода и иррациональность. Эпатажность, стремление бросить вызов общественным устоям, морали, религии, традиционному искусству.

В живописи одним из самых канонических сюрреалистов был, конечно, Сальвадор Дали. Картина «Постоянство памяти» или «Мягкие часы» — культовая работа художника. На её примере отчетливо понятно, что такое сюрреализм. Рисуя картину, Дали думал о мягком сыре, чья пластичность легла в основу ассоциаций, а ещё ждал возвращения любимой — отсюда метафора времени. В этом главная черта сюрреализма — художник рисует то, что находится в его голове, игнорируя здравый смысл.

Другой знаменитый сюрреалист — Рене Магритт. Его картины содержат парадокс. Каждая работа — комбинация образа, способа его изображения и названия картины. Эти элементы не существуют отдельно, дополняя друг друга. Названиям картин Магритт уделял особое внимание — они «направляют» размышления зрителя. Зритель невольно становится философом. За этот эффект своих картин Магритт называл себя «магическим реалистом». Сюрреализм Магритта не столь очевиден. К примеру, на картине «Империя света» изображены типичный двор с фонарем и небо в облаках. Парадокс в том, что внизу картины поздний вечер, а наверху — ясный день. Это один из любимых приемов Магритта — сочетать несочетаемое.

Филипп Халсман — родоначальник сюрреализма в фотографии. В 1941 году Халсман встретил Сальвадора Дали, и в конце 40-х они стали плодотворно сотрудничать. Фотография «Дали Атомикус» появилась в 1948 году. На снимке три летящие кошки, ведро вылитой воды и Дали, подвешенный в воздухе. Вдохновением для этой работы стало открытие планетарной модели атома. Потребовалось 28 попыток и несколько литров воды, чтобы снимок получился удачным. И никакого фотошопа.

Другая икона сюрреализма — Мерет Оппенгейм. В 23 года эта немецкая художница за беседой с Пабло Пикассо придумала эталон предметного сюрреализма — меховую чайную пару. В своей работе Мерет обыграла несовместимость разных видов чувств: мех приятен коже, но противен для языка. К тому же, совершенно практичный предмет в силу своего материала перестаёт выполнять свою привычную функцию.

Путь художника. EUDES CORREIA

Каждый творец уникален в своем стиле, технике, манере работы и выборе сюжета. Мы хотим познакомить вас с художниками фестиваля ARTLIFE FEST поближе и «заразить» их любовью к творчеству. Сегодня расскажем о португальском художнике бразильского происхождения — Eudes Correia.

Каждый творец уникален в своем стиле, технике, манере работы и выборе сюжета. Мы хотим познакомить вас с художниками фестиваля ARTLIFE FEST поближе и «заразить» их любовью к творчеству. Сегодня расскажем о португальском художнике бразильского происхождения — Eudes Correia

«Я люблю рисовать людей, подлавливать их в расслабленные моменты, когда они не позируют мне. Тогда выражение лица и поза получаются наиболее выразительными, характерными. Я часто рисую по фото референсам, так вот, чтобы запечатлеть естественные движения, прибегаю к такому приему: делаю вид, что снимаю селфи, а сам незаметно направляю камеру на колоритных прохожих.

При выборе фактуры мое внимание может привлечь в человеке что угодно: поведение, лицо, одежда. Я не следую каким-то правилам, а действую интуитивно.

Я работал иллюстратором и графическим дизайнером в течение 25 лет, а потом мне захотелось больше свободы и творчества. Сейчас 80% времени я уделяю живописи, беру очень ограниченное количество заказов на иллюстрации, только интересные проекты.

Профильного образования у меня по сути нет. Я вырос в бедном регионе Бразилии с минимумом возможностей. Живописью меня увлек старший брат. Он много рисовал, а я хотел быть как он. Позже я стремился познакомиться с другими художниками, готов был мыть у них кисти, только чтобы научиться новому.

Оглядываясь назад на свой путь, я понимаю, как важно для творческого человека постоянно иметь наставника, ментора, вдохновителя. Мне не так повезло, я потратил много времени и сил сам добывая знания. Поэтому сейчас я щедро делюсь ими. Не потому что считаю себя лучше других, а потому что понимаю, насколько это необходимо художнику любого уровня.

Не забывайте, что творческий путь складывается из множества шагов и каждый мастер-класс, каждое взаимодействие с преподавателем идет на пользу. Я желаю вам главного — не терять мотивацию и получать удовольствие от процесса, ведь иначе, ради чего жить?»

Интуитивное видение

Элли Смолвуд в разговоре с ArtFile Magazine's AM DeBrincat

Работы Элли Смолвуд — это пышно-окрашенные заветы красоты, демонстрирующие персональное видение. Уроженка Оттавы, сейчас живущая в Торонто, ее работы выставляются по всему миру, включая выставку в Massey Lyuben Gallery в Нью-Йорке.

— Расскажи нам про свои работы. Какие важные темы и/или эстетические концепции вы используете в своих работах? Играет ли смысловую роль масштаб работы?
— Есть набор тем, которые проходят красной нитью через мои работы, такие как сексуальность, эмоциональная экспрессия, обсуждение, но, тем не менее, я стараюсь не перегружать работы. Я рисую все, что беспокоит, восторгает меня. Мои работы — это не визуальное описание какого-либо четко оформленного концепта — это нечто более чувственное и интуитивное, чем это. Я никогда не могла объяснить концепцию работ, идея — это не то, что я привыкла выражать словами, намного проще выразить ее в красках, это язык «сам по себе», я хочу затронуть людей на душевном уровне.

Я люблю работать с такими большими холстами, насколько это возможно, я думаю, что большие работы имеют агрессивную и доминирующую силу, они управляют твоим вниманием. Хотя, время от времени я работаю и с маленькими форматами, тогда все получается очень интимно.

— Давай поговорим о процессе. Как ты пишешь картину? Как этот процесс изменился со временем?
— Изначально, это было намного более продумано, я начинала с фотографий, потом рисовала эскиз или два и потом переносила скетчи на большие полотна. Теперь я сразу начинаю с холста, какая бы идея в голове у меня не была. У меня не очень большой фокус внимания, я вижу, что долгая работа над картиной — не мой путь, мне надоест еще до момента начала самой работы. Кроме того, я стараюсь полностью расслабиться, сделать так, чтобы работа была более спонтанной, жесткой, экспрессивной, поэтому я отказалась от подготовительных этапов в пользу эмоциональности. Конечно, процент неудачных работ увеличился, но если я уже картина сделана, она мне нравится намного больше.

— Влияют ли на твои работы тенденции в медиа, поп культуре или другие события или, может, на твой мыслительный процесс в студии? Если да, то как? Что-нибудь конкретное сейчас в твоей голове, как оно воплощается в твоих картинах?
— Не особенно. В смысле, конечно, это невозможно остаться вне влияния внешнего мира или культуры, в которой ты вырос или живешь, но это не те вещи, о которых я пытаюсь говорить. Мои работы обычно раскрывают тему женской сексуальности, ЛГБТГ секс, фетиши и т. д. Я думаю, что они как раз крайне актуальны сейчас, но я говорю про них потому, что они являются частью моей жизни, а не потому, что это обсуждаемые резонансные темы в обществе. Кроме того, я думаю, что что когда у тебя есть кафедра для вещания — у тебя появляется обязанность рассказать о вещах, заботящих тебя и я част делаю это, хоть и очень стараюсь обособлять это от моих картин.

— Как ты думаешь поменялась ли творческая среда и карьерный путь художников с развитием социальных медиа?
— Я думаю, что теперь у художника в руках намного больше возможностей. Тебе не нужно печати одобрения от институций или галерей чтобы продать свою работу, ты можешь достучаться до коллекционеров напрямую. Я думаю, что это прекрасно для молодых художников, которым крайне сложно завоевать влияние. Кроме того, социальные медиа упрощают коммуникацию между художниками и облегчает формирование сообществ, школ, что, конечно, прекрасно. Особенно сегодня, когда мы все замкнутые и интровертные.

— Если бы ты организовывала званый обед, отменяя географические, временные и языковые барьеры, кого бы ты позвала?
— Люциан Фрейд, Леонардо да Винчи, Артемизиа Джентилески, Харуки Мураками, Марлен Дюма и Кара Уокер. Это будет странная вечеринка.

— Как проходит твой типичный рабочий день?
— Велосипед в студию сутра, работа со скетчами или фотографиями, или разбираю почту пару первых часов как вариант прокрастинации, потом, рисую остаток дня. Но оно непостоянное, сейчас мое расписание в режиме «и здесь и там», а рисую я ночью.

— Кроме прочего ты рисуешь татуировки… можешь нам про это рассказать?
— Я не большой фанат того, чтобы кто-то другой рисовал не мне, поэтому я начала постигать искусство татуировки сама и теперь я бью и для своих друзей. Это очень интересный способ рисовать, он практически не оставляет пространства для исправлений и ошибок, обычно я работаю в стиле stik and pokes (татуировка без использования машинки: иглой и чернилами, примечания Софи Игнатьева), когда ты макаешь иглу в чернила и затем прокалываешь кожу, так что это еще и очень медленный процесс. Это очень интимное действо.

— Задай вопрос себе, на который тебе очень важно сейчас ответить.
— В какое бы направление ты бы себя бросила сейчас? Я хочу постепенно расти в экспериментал. Мне нравится делать что-то и знать, что я не делала ничего подобного до этого, даже если это полная ерунда. Я всегда предпочитала бросаться во что-то новое, чем оставаться с проверенным и безопасным, сталым, стагнирующим. Я хочу видеть какой абстрактной и странной моя работа может стать, при этом сохраняя лицо и фигуру.

— Что же дальше?
У меня грядет выставка в галерее Массей Любен, в Нью Йорке, но еще я сейчас в процесс создания новой работы.


Перевод: Софи Игнатьева
Оригинал статьи:
http://www.masseylyuben.com/elly-smallwood-interviewed-by-artfile-magazine/

PROхудожника. Александр Рощин

В прошлом Fashion-иллюстратор Саша Рощин, сегодня пришел к абстрактному течению и пониманию себя как экспериментального художника.

«Называя себя экспериментальным художником, я подразумеваю такую вещь. В каждой работе, даже выполненной в одной технике, мне нужно получить новое впечатление.»

Под впечатлением Саша подразумевает не только его субъективное отражение жизни, зафиксированное в красках, но и непосредственное переживание движения красок по поверхности, их смешивания или наложения друг на друга. Художник рисует не кистями, а с помощью естественного течения красок, отдавая их власти воздушного потока или силе тяжести, оставляя за материалом последнее слово. Краски и художник как бы находятся в сотворчестве в момент создания картины.

«Еще раз, не я хочу передать впечатление, а картина должна мне его передать. Есть у меня черта — стирать из головы любые принципы, из-за чего приходиться начинать всё сначала. А может это просто хреновая память»

В поиске абсолютно живого изображения художник полностью отказался от реалистичных сюжетов. От реализма веет холодом уже мертвых образов, навечно замкнутых в пределы рамки картины. Несмотря на то, что люди привыкли мыслить предметно, — художник всегда тонко чувствовал, что истинным смыслом искусства является именно передача эмоций, общение на «надпредметном» уровне:

«Многим как раз хочется увидеть некий символ себя, составляющий их сущность, но по причине восприятия одним лишь разумом, эстетичностью и красивостью не удаётся воспринимать чистую живописную энергию»

Оставаясь верной музой художника — натура исчезает из его картин. Саша отходит от реализма настолько далеко, насколько может: он отходит даже от натуральных материалов. Сейчас Александр использует в своих работах пластик, спиртовые чернила, эпоксидную смолу.

«Эпоксидный состав — условно говоря, пластик — возможно, кажется чужеродным, но его эффект гладкости позволяет краске раскрыться во всей своей глубине. Объем, который создает эпоксидная смола, ни с чем нельзя сравнить, и с помощью природных материалов, к сожалению, невозможно добиться такого результата»

В преодолении кризиса «вещности» и «мертвого реализма» отправной точкой Александра стал лидер русского авангарда — Казимир Малевич. Авангард Малевича, по мнению Саши позволяет сохранять образы, одалживая их у природы, придавать им новые формы.

Отказ от образности помог решить основные вызовы кризиса искусства ХХ века. Принцип беспредметности открывает абсолютно новые возможности общения между художником, миром, изображением и зрителем.

Художник получает возможность познавать границы мира посредством чистой творческой интуиции и выходить за эти границы. Отсутствие формы подразумевает поиск универсального языка творческого переживания в поиске гармонии мира, а кажущаяся иррациональной абстрактная передача образа весьма целесообразна для общения на эмотивном уровне.

Шанс проникнуться и пообщаться с современным художником на его языке появится у вас на нашем фестивале в октябре. Александр проведет перфоманс, за которым сможет наблюдать каждый посетитель ArtLifeFest.

Автор: Софи Игнатьева

Фигуративное искусство художницы Джесси Мокрин

Она обращается к сюжетам произведений великих творцов эпохи Возрождения и интерпретирует их в современной технике исполнения.

В чем секрет коммерческого успеха художника Марко Мельграти?

В своих работах он отражает сюжеты, которые близки современному зрителю. Марко избегает сложных метафор, чтобы понятнее изобразить социальную проблему.
Художник создает концептуальные картины на злободневную тему. Он передает их с грустной правдивостью, добавляя нотки иронии, чтобы произведения сильнее отзывались зрителю.

Марко использует диджитал-инструменты и традиционные материалы живописи в работе. Его иллюстрации отличаются уникальной цветовой палитрой.
⠀
Художник знает, как составить успешную стратегию для монетизации своего творчества. Именно поэтому его работы выбирают такие издания, как The Washington Times, GQ Magazine и другие.

Разбираемся в стиле: маньеризм

Маньеризм зародился в Западной Европе во второй половине XVI века. Он возник в результате кризиса эпохи Возрождения, когда произошло крушение всех моральных идеалов. На смену пришли идеи маньеризма о непредсказуемости, опасности и неустойчивости мира.

Характерные черты:
⠀
Неестественные позы, вычурные положения, надуманные образы. Герои часто опираются на что-то, чтобы не упасть, или, наоборот, отрываются от земли и почти взлетают.
Динамичность произведений достигалась за счет асимметричности композиций, выстроенной на диагоналях. Художники экспериментировали с перспективой, светом и тенями.
В цветовой палитре появляются новые броские оттенки. Например, ярко-желтый или розовый.
Произведения призваны передать тревогу через внешнюю чувственность и эротизм.
Картины маньеристов поражают своим размахом и помпезностью. Часто таким произведениям необходимо словесное объяснение.
⠀
Каких художников маньеристов вы знаете?

Поговорим о готике?

Термин «готика» определяет культурный период XII—XVI вв.еков в истории между Средневековьем и эпохой Возрождения. Готический стиль развивался во всех сферах жизни и был пронизан христианским мировоззрением. В искусстве период готики ярче всего отразился в архитектуре, а также живописи.

Характерные черты:

Глубокая религиозность сюжетов и отражение реальности через христианские мотивы.
Помпезность, которая передавала величественность господствующей религии.
Одухотворенность и легкость в пространстве, при этом серьёзность и некая суровость изображаемых героев.
Преобладание «благородных» оттенков: золотистых и бордовых, преимущественно глубоких и густых.
Вертикальность композиций, угловатость и заострённость форм.


Что почитать?

М. К. Муратова «Мастера Французской Готики»

Разные подходы к готическому искусству, особенно к архитектуре. Также в книге присутствуют наглядные разборы теории и практики мастеров этого периода.

Рольф Томан «Готика. Архитектура. Скульптура. Живопись.»

История развития готического стиля от его взлета до падения. Подробные разборы об особенностях направления в разных странах, а также дополнительные статьи о социальной жизни в эту эпоху.

Гораций Уолпол «Замок Отранто»

Считается первым готическим романом, в котором скорее интереснее наблюдать за развитием стиля, чем сюжета.

А что вы посоветуете почитать или посмотреть об этом периоде?

Чтобы не осыпалось: 2 способа хранения пастельных картин

Хотим рассказать вам о том, как максимально продлить жизнь пастельной картины. Для этого достаточно следовать простым правилам хранения.

После того, как вы закончили писать картину пастелью важно позаботиться о ее сохранности. Пастель может легко осыпаться с листа, или смазаться от неудачного прикосновения. Более того, на ней со временем будет скапливаться пыль, которую не просто убрать, не испортив картину.

Рассказываем, что вы можете сделать, чтобы сохранить свою картину из пастели:

1 способ:
Лучшее, что вы можете сделать — хранить картину в рамке под стеклом. Важно, чтобы рисунок не соприкасался со стеклом. Для этого надо использовать паспарту (толстый лист бумаги или картона, с вырезанным окном по размеру картины). Оно создаст необходимый зазор в 1−2 мм. Многие опытные художники прибивают тонкую рейку под раму, все также для создания дистанции между картиной и стеклом.

2 способ:
Однако не всегда есть необходимость хранить картину в рамке. Для таких случаев есть другой лайфхак — использовать кальку. Кладем картину на лист картона (некоторые предпочитают использовать пенокартон) и прикрываем калькой. Чтобы калька не ерзала и не растирала пастель, фиксируем ее малярным скотчем. Поверх кладем лист картона и зажимаем канцелярским зажимом.

Виды пастельных мелков, бумага и вспомогательные средства для работы с пастелью

Виды пастельных мелков

1. Сухая пастель представляет собой мелок или карандаш без оправы. Такая пастель изготавливается из мела, пигментов и компонентов, которые связывают их воедино.
Сухая пастель также делится на два вида, в зависимости от её мягкости.
— Мягкая сухая пастель. Связующие вещества в ее составе сведены к минимуму. Мягкая пастель для рисования хорошо растушевывается, так как имеет сыпучую структуру.
— Твердая сухая пастель. Связующего (гуммиарабика) в ней больше. Более стойка к трению.

2. Масляная пастель — производится из воска и минерального масла с добавлением пигментов. В отличие от сухой пастели, следы от масляной пастели получаются более интенсивными и яркими.

3. Восковая пастель — основным компонентом является воск с добавлением все тех же пигментов, обладает хорошей цветостойкостью, штрихи получаются яркими и интенсивными

4. Ультрамягкая пастель, Пан-пастель — выпускается в специальных баночках, очень похожа на тени. Каждая такая баночка содержит на 35% больше материала, чем стандартная палочка пастели. Хорошо смешивается и дает наиболее точную цветопередачу. Пан-пастелью работают обычно художник в технике реализма. Рисуют ей с помощью специальных поролоновых спонжиков, смешивая цвета прямо на бумаге.

Какая бумага подходит для рисования пастелью?

При выборе цвета бумаги для пастели следует придерживаться 4-х принципов:
• нужно выбирать бумагу, которая не перекликается с цветом модели, а контрастирует с ним.
• цвет бумаги делает более выразительными родственные оттенки: так голубая бумага подчеркивает все оттенки голубого, а красная выделяет всю гамму оттенков красного.
• независимо от цвета, выбираем бумагу нейтрального тона, на которой одинаково хорошо смотрятся как темные, так и светлые оттенки.
• распространенной ошибкой является выбор белой бумаги (кроме тех случаев, когда белый цвет основы чрезвычайно важен для воплощения замысла художника). Закрашивание пастелью белых фрагментов требует много времени и труда, а результат все равно будет хуже, чем если бы мы рисовали на цветной основе.

Виды бумаги для рисования пастелью

Велюровая бумага имеет бархатистую, матовую поверхность, напоминающую скорее ткань, чем бумагу. Она также бывает самых разных цветов, и приобрести ее можно в пачках (гораздо реже — поштучно).

Sansfix — бумага, поверхность которой близка гладкой поверхности обыкновенной писчей бумаги. Производство ограничено несколькими нейтральными цветами. Основная ценность для работы пастелью состоит в том, что рисунок на этой бумаге не нуждается в обработке специальным закрепителем.

Песочная бумага (иначе: наждачная) производится из кислотных материалов, поэтому через некоторое время с картиной, написанной на такой бумаге, могут произойти разного рода изменения. Для работы пастелью следует выбирать только самую гладкую песочную бумагу, поскольку с сильно шероховатой поверхности краска интенсивно осыпается.

Cabinet — это сильно зернистая бумага преимущественно больших размеров. Продается только в специализированных художественных магазинах.

Вспомогательные средства для работы с пастелью

Виды пастельных мелков, бумага и вспомогательные средства для работы с пастелью

С помощью этих вспомогательных средств можно смешивать пастель, растирать её, создавая тональные переходы, различные мягкие и перистые эффекты.

Бумажные растушёвки сделаны из очень плотно намотанной мягкой бумаги и бывают разного размера. Если конец бумажной растушёвки загрязнился, то можно счистить слой бумаги канцелярским ножом, а затем потереть по чистому листу обычной бумаги.

Аппликаторы с насадками из микропористой губки являются замечательным средством для растушёвки

Ультрамягкие кисти из натурального волоса пони — для смешивания, точечного нанесения и зачистки пастели. Как правило, используется в вертикальном положении.

Силиконовые кисти помогают создавать мягкие края и смешать пастель (особенно очень маленькие участки). Эти кисти могут быть мягкие (белый наконечник) и твердые, а также иметь различную форму наконечника.

Ластик для пастели (ластик-клячка)

В отличие от обычных ластиков, ластик для пастели имеет довольно мягкую консистенцию и очень пластичен. Этот ластик приклеивает к себе частички пастели и при этом не повреждает бумагу и не размазывает рисунок.

Мода и искусство: Art коллаборации

Лектор Британской Высшей Школы Дизайна и МГИМО, основатель Fashinology school Лайма Рыльская рассказала в своем интервью журналу ARTLIFE, почему fashion-бренды сегодня заинтересованы в арт-коллаборациях и что нужно делать молодому художнику, чтобы принимать в них участие.

«Мода и искусство долгое время были элитарными и доступными лишь тем, у кого были на них средства. При этом состоятельные люди не торопились вникать в суть модных тенденций или того или иного направления живописи. Тогда доверяли именам: Шанель, Баленсиага, Скьяпарелли. Дизайнеров, стоявших в авангарде моды, было не так много. Как и художников, стоявших в авангарде искусства.

За 100 с небольшим лет все кардинально изменилось. Те, кому раньше мода была недоступна, сегодня становятся в ней экспертами буквально за месяц. Знание, а не обладание, становится новой валютой и новым языком коммуникации, стирающим границы между социальным статусом, национальностями и возрастом.

Влияет ли совместное творчество на цену произведений художников?

Давайте рассмотрим на конкретных примерах.

✅ Картина бывшего арт-дуэта Виталия Комара и Александра Меламида «Встреча Солженицына и Бёлля на даче у Ростроповича» ушла с аукциона за $ 1 011 194. Когда художники перестали работать вместе, произведения каждого оценивались не более, чем в $ 250 000.
✅ Самая дорогая картина бывшего творческого дуэта Александра Виноградова и Владимира Дубосарского «Big Paradise» была продана за $ 305 000. После распада работы художников можно приобрести за $ 16−20 тысяч.
✅ Сальвадор Дали в 1930-х годах поучаствовал в создании коллекции для модного дома Schiaparelli. Такой наряд стоит почти $ 20 000. Платье Schiaparelli без принта обойдется примерно в $ 4000.
✅ Пражский арт-дуэт иллюстраторов Tomski&Polanski появился лишь в 2013 году, но уже приобрел популярность. Цены за их общие картины начинаются от $ 900, в то время как отдельные работы художников можно приобрести за $ 50.

Почему художнику важно никогда не переставать учиться?

Часто, достигнув определённого уровня мастерства, художники перестают совершенствоваться, узнавать новые техники и интегрировать их в свой авторский стиль. Это довольно опасно, т.к. может привести к стагнации, творческому кризису и выгоранию. Ведь творчество подобно реке: стоит только остановить поток новых знаний, и самая быстрая и чистая река рискует превратиться в болото.

Три известных и коммерчески успешных художника из России, Испании и США рассказали, почему так важно никогда не прекращать учиться, даже если ты профессионал.

«Окончание художественного вуза является отправной точкой в карьере художника, но он никогда не должен оставлять инстинктивное любопытство, которое и приводит нас на этот путь, в эту профессию. художник никогда не перестает учиться. Даже когда мы начинаем создавать своё, одновременно мы всегда продолжаем получать знания, информацию, оттачивать навыки. Это бесконечный процесс. Как писал Сэр Джошуа Рейнольдс еще в XVIII веке в своём «Дискурсе об искусстве», «Разум — это бесплодная почва. Она вскоре иссякнет и не даст урожая, или даст его лишь однажды, если мы не будем постоянно удобрять и обогащать её чужеродной материей»,
— 
Марк Теннант, США

«Я считаю, что в основе самообразования лежит более осознанное и целеустремлённое желание взрослого человека достичь определённого уровня навыка. Имея огромную мотивацию и конкретную цель, я выполняла год за годом ряд задач и тем самым повышала свой уровень владения техникой и навыками рисования. В любом случае, нет предела совершенству, и я продолжаю впитывать и систематизировать полезную информацию и по сей день. А найти её просто — лишь бы было желание. Всегда можно пройти разнообразные курсы, как онлайн, так и живые. Прочесть много полезной (и не очень) литературы по теме. Поучаствовать в мастер-классах признанных профессионалов. Другими словами, напитаться, насмотреться и, осмыслив полученную информацию, преобразовать её в своём творчестве»,
— 
Валерия Куликова, Россия

«Я начал свою профессиональную карьеру в 23 года. Сейчас мне 63, то есть уже 40 лет я посвящаю жизнь живописи. Основной частью учебного процесса было посещение выставок и музеев для изучения работ великих мастеров. Ещё одной фундаментальной частью была практика: я сделал бесчисленное количество картин. Каждая работа была испытанием для меня, и я учился на своих ошибках. Эта задача никогда не прекращалась за эти 40 лет. Всегда есть чему поучиться, если у вас правильное отношение. Главная ошибка начинающего художника — считать себя великим. Как я уже отмечал ранее, важно быть скромным и думать, что вы всегда можете совершенствоваться и что независимо от того, что мы думаем об уровне своей работы, искусство бесконечно, и всегда есть чему поучиться и что улучшить»,
— 
Аурелио Родригес, Испания

Как продвигаться художнику в современных реалиях?

Социальные сети — один из главных источников продвижения и монетизации творчества для художников. Но что делать теперь, когда привычные площадки утрачивают актуальность? Рассказываем в этом письме про альтернативные социальные сети и их возможности.

ВКонтакте
Сейчас социальная сеть переживает второе рождение. Поэтому если вы давным-давно зарегистрировались в ней и забросили, самое время стряхнуть со страницы пыль и вдохнуть в неё новую жизнь.

Благодаря наличию внутренней платёжной системы, возможности групповых видео-конференций, публикации stories и другим видам контента.

ВКонтакте можно считать хорошим миксом из всех существующих соцсетей. ВКонтакте можно делиться с подписчиками уникальным контентом за вознаграждение через опцию VK Donut, делать нативные интеграции с брендами, сотрудничать с рекламодателями, монетизировать видео и музыку, продавать картины, используя страницу как онлайн-магазин.

Продвигаться во ВКонтакте можно по-разному: настроить таргетированную рекламу, размещать посты в тематических сообществах, делать кросс-постинги с другими художниками.

Кроме привычных постов из текста с фото можно разнообразить контент, снимая репортажи из мастерской, записывая подкасты, размещая музыку, под которую вы любите творить.

Telegram
Телеграмм отлично работает для формирования сообществ: вы можете создать свой канал и публиковать там контент, связанный с творчеством.

Продвигать канал можно, размещая платную нативную рекламу в популярных сообществах близкой тематики или делая те же кросс-постинги на бартерной основе, когда вы публикуете на своём канале информацию про интересного коллегу или сообщество, а они, в свою очередь, размещают в ответ информацию о вас со ссылкой и опцией подписки.

В Telegram важно публиковать не только текстовый контент. Возможности соцсети позволяют также делиться музыкой, записывать подкасты, видеосообщения (аналог stories в какой-то мере), организовывать видео- и аудио-конференции с участниками канала.

Всё это — отличная возможность сформировать вокруг своего личного бренда и творчества сплоченное комьюнити, которое в дальнейшем можно использовать как лояльную к вам аудиторию для продажи картин.

TenChat
Пока ещё не такой популярный, но уже набирающий обороты ресурс — TenChat. Это — бизнес-соцсеть, число пользователей которой уже превысило 200.000 человек.

TenChat — аналог LinkedIn. Соцсеть позволяет художникам искать бренды и частных клиентов для коллабораций, участвовать в гостендерах, продвигать себя через инструменты контент-маркетинга, публикуя посты, общаться с потенциальными и действующими клиентами и партнёрами.

На основе интересов пользователя алгоритм подбирает профили единомышленников и помогает достигать поставленных целей.

Что в итоге? ⠀

Не важно, какие площадки использовать. Важно развивать творчество, работать над авторским стилем, развиваться и пробовать новое. И тогда вы будете интересны и востребованы среди подписчиков любой социальной сети.

Поэтому сейчас — лучшее время, чтобы изучать новые техники живописи и развивать своё мастерство. Сделать это удобнее всего на онлайн-курсах в ARTLIFE ACADEMY, тем более что до 31 марта на все виды обучения в Академии действует скидка 50%.
Пастель, акварель, масло, скетчинг, fashion-иллюстрация, смешанные техники — выбирайте интересное направление и развивайте свои профессиональные навыки!

Материалы для скетчинга

Скетчинг стремительно эволюционирует от travel-формата для художников до отдельного направления в живописи. Производители маркеров ищут новые формулы, художники оттачивают навыки, а практически каждый творческий человек захотел попробовать материал в своих работах. Совместно с художниками Академии мы разобрались, с чего начать знакомство с самым современным материалом.

Почему спиртовые маркеры?

Спиртовые маркеры безопасны, быстро сохнут и хорошо смешиваются, благодаря чему вы можете создавать живописные и плавные переходы, а также добиваться новых цветов, которых изначально не было у вас в палитре.

Какой наконечник выбрать?
Среди художников популярны два вида двусторонних маркеров: «пуля-долото» и «кисть-долото».
Наконечник «Долото» удобен для перекрытия больших поверхностей рисунка.
«Пуля» хорошо справляется с тонкими деталями.
А «Кисть» лучше всего подходит для градиентной растяжки.

Если вы хотите плавных акварельных переходов, выбирайте маркеры «Кисть-долото» несмотря на то, что они немного дороже.

Какой бренд выбрать новичку?

Художники Академии не советуют выбирать самые дешёвые китайские бренды. Вы можете упустить и не прочувствовать материал из-за его низких качеств, плохого смешивания цветов и слишком плотного покрытия.

Мы составили список из трёх брендов от самых доступных к самым дорогим:
Sketchmarker Brush, Украина. Один маркер — 289 руб. Можно заправлять и менять перо.
Winsor&Newton BrushMarker, Лондон. Один маркер — 394 руб.
Touch Brush (ShinHanArt), Корея. Один маркер — 399 руб. Можно заправлять и менять перо.

С какой палитры начать?
Базовые цвета, которые будут необходимы в любом направлении: несколько холодных серых и тёплых для теней.

Выбирайте спокойные оттенки, которые вы видите каждый день вокруг себя: зелёный, красный, жёлтый, синий, песочный.
Вам будет удобнее работать с градиентной растяжкой, если вы возьмёте 2 оттенка одного цвета: один темнее и один светлее.
Например, голубые B66 и B63.
Не забудьте сделать выкраску маркеров от производителя или нарисовав собственную. Так вы не купите повторку и сможете выбрать нужный для рисунка цвет, не перебирая все маркеры.

Какая бумага подходит для скетчинга?

Несколько советов по выбору бумаги или скетчбука:
Чем плотнее бумага, тем больше расход маркеров.
Подкладывайте лист под страницу с рисунком, чтобы чернила не испачкали следующую страницу.
Выбирайте гладкую бумагу плотностью 160 или 180 гр.
Бумага для лазерной печати Color copy от Mondi хорошо подходит для первых шагов в жанре скетчинга.

Где заказать маркеры?
Artkvartal.ru: Touch Brush (ShinHanArt) и Winsor&Newton BrushMarker.
Artmarker.ru: Touch Brush (ShinHanArt), Winsor&Newton BrushMarker и Sketchmarker Brush.
Peredvizhnik.ru: Touch Brush (ShinHanArt), Winsor&Newton BrushMarker.
Все арт-магазины доставляют заказы по России. Но не забудьте учесть момент: если вы записались на обучающий курс, заложите время на доставку, чтобы ваши материалы успели прибыть к старту курса.

Как реализоваться на показах мод?

С сентября по октябрь в Нью-Йорке, Лондоне, Милане и Париже проходят Недели моды. Рассказываем, как fashion-иллюстратор может реализовать себя на показах.

Недели моды — как правило, закрытые мероприятия, вход на которые возможен только для аккредитованных СМИ или по пригласительным от дизайнеров. Если вы — начинающий fashion-иллюстратор и хотите в дальнейшем получать приглашения на офлайн-показы, начать набивать руку можно уже сейчас с просмотра онлайн-трансляций Недель моды.

Мир высокой моды часто кажется недосягаемым, и очень важно видеть перед собой вдохновляющий пример fashion-иллюстраторов, которые уже добились успеха. Одна из них — американская художница Блэр Брайтенштайн. Свой путь она начинала с зарисовок моделей на показах, публикуя иллюстрации под хэштегами в своем Инстаграм. Именно так её заметили дома моды и предложили официальную работу. Своим опытом Блэр делится на курсе «Fashion-иллюстрация» в Международной онлайн-академии живописи ARTLIFE.

Мастерство fashion-иллюстратора заключается в умении мгновенно схватывать нюансы движения моделей на подиуме и передавать цвета, принты, крой и текстуры одежды. Кроме того, выделиться среди тысячи иллюстраторов невозможно без авторской техники, которую можно выработать только через практику и знакомство с техниками других иллюстраторов. Спонтанной, живой и экспрессивной манерой рисования иллюстратор Блэр Брайтенштайн делится на своём онлайн-демоклассе в ARTLIFE ACADEMY, который доступен к просмотру уже сейчас.

Есть только один способ понять, нравится ли вам делать зарисовки с показов: важно попробовать!
Набить руку и отточить технику можно благодаря онлайн-трансляциям, которые доступны на официальных сайтах Недель моды.

Мода и искусство: Art коллаборации

Лектор Британской Высшей Школы Дизайна и МГИМО, основатель Fashinology school Лайма Рыльская рассказала в своем интервью журналу ARTLIFE, почему fashion бренды сегодня заинтересованы в арт-коллаборациях и что нужно делать молодому художнику, чтобы принимать в них участие.

«Мода и искусство долгое время были элитарными и доступными лишь тем, у кого были на них средства. При этом состоятельные люди не торопились вникать в суть модных тенденций или того или иного направления живописи. Тогда доверяли именам: Шанель, Баленсиага, Скьяпарелли. Дизайнеров, стоявших в авангарде моды, было не так много. Как и художников, стоявших в авангарде искусства.

За 100 с небольшим лет все кардинально изменилось. Те, кому раньше мода была недоступна, сегодня становятся в ней экспертами буквально за месяц. Знание, а не обладание, становится новой валютой и новым языком коммуникации, стирающим границы между социальным статусом, национальностями и возрастом.

Что еще объединяет моду и искусство сегодня?

Конечно, это коллаборации. Рисунки художника из Латинской Америки могут появится на одежде португальского бренда. Реакцией на штампованность маст-хевов и трендов стал поиск аутентичных предметов, чего-то эксклюзивного и уникального как у покупателей, так и у производителей одежды. Многие дизайнеры, как и 100 лет назад, вдохновляются локальными традиционными рисунками и ремеслом.

У молодого неизвестного художника мало шансов быть замеченным, если он не участвует в выставках, не представлен в галереях и частных коллекциях. Если у тебя нет имени, для больших брендов ты не представляешь интерес. Но благодаря социальным сетям и инфлюэнсерам заявить о себе стало легче, популярность может прийти в одну ночь». Читайте полную версию материала в ARTLIFE MAGAZINE.

ARTLIFE MAGAZINE — единственный в России и мире арт-журнал, который рассказывает об искусстве простым языком, делая его близким и доступным для широкого круга читателей.

В новом выпуске — эксклюзивные интервью с успешными современными художниками со всего мира, полезные статьи от лучших экспертов, авторские иллюстрации и море вдохновения.

3 вдохновляющих fashion-иллюстратора

Fashion-иллюстрация в глянцевых журналах вновь набирает популярность. На рубеже XIX и XX веков журнальная иллюстрация переживала свой пик. Сегодня мы видим новый виток — VOGUE, ELLE, Harper’s Bazaar ищут fashion-иллюстраторов для своих страниц.

Мы собрали тройку вдохновляющих и востребованных fashion-иллюстраторов разных веков.

Рене Буше
Работал для Vogue в 1938 году, а затем cоздавал рекламные иллюстрации для Elizabeth Arden, Saks Fifth Avenue и Helena Rubenstein. Техника Буше — это сочетание графики с эффектом мокрой кисти. Кстати, приемы этого иллюстратора используют и и многие современные художники.

Блэр Брайтенштайн
Современный fashion-иллюстратор из США. Самоучка, проложившая себе путь до всемирной известности, лёгкостью и смелостью самовыражения. Работает с Harper’s Bazaar, VOGUE, Tatler, Glamour, Vanity Fair. Блэр была официальным иллюстратором Недели моды в Нью-Йорке. Она сотрудничает с дизайнерами Chanel, PRADA, Louis Vuitton, Oscar de la Renta.

Эдуард Бенито
Стиль Бенито (1891 — 1981) напоминает кубистические картины Пикассо и портреты Модильяни. Оригинальный подход к фэшн и рекламной иллюстрации не отпугнул редакторов Vogue и Vanity Fair. Эдуард Бенито проработал около 20 лет главным иллюстратором этих изданий. Был также личным портретистом короля Испании Альфонсо XIII и китайской королевской семьи.

3 техники развития творческого мышления

Часто творческое мышление нужно не только художникам, но и людям, не связанным с искусством, для решения самых разных бытовых и прикладных задач. Придумать название нового продукта, предложить руководству концепцию проекта или просто изобрести рецепт пирога для вечеринки с друзьями — развитое креативное мышление способно помочь в продвижении по карьерной лестнице и сделать ежедневную рутину чуточку интереснее. Делимся тремя упражнениями, которые помогают мыслить нестандартно.

Метод Леонардо да Винчи
Удивительно, как много свежих идей придумывал Леонардо да Винчи. Как он это делал? Его метод прост, эффективен и доступен каждому человеку.

Что делать?

1. Положите перед собой лист бумаги и карандаш/ручку.
2. Поставьте таймер. Можно начать с 5 минут и постепенно увеличивать время.
3. Займите удобное положение сидя, возьмите в руки карандаш, закройте глаза, расслабьтесь.
4. Начните покрывать лист произвольными каракулями, фигурами, линиями. Полностью отдайтесь этому процессу и продолжайте до тех пор, пока не прозвенит таймер. Очень важно не анализировать, не контролировать процесс.
5. Когда время вышло, откройте глаза, посмотрите на лист и внимательно изучите получившийся рисунок. Какие образы, предметы, переходы вы видите? На какие мысли и идеи они вас наводят? Суть метода в снятии важности перед совершением действия и в активации правого, творческого, полушария мозга через потоковое рисование.

Неожиданные ассоциации
Все мы умеем придумывать ассоциации, но проблема в том, что часто они банальные. Если небо, то голубое, если банан, то желтый, если лето, то жаркое. Такие очевидные ассоциации говорят о шаблонном мышлении. Как с их помощью развивать креативность? Помогает придумывать ассоциации, пропуская первые 2 пришедших на ум.

Что делать?

1. Возьмите лист бумаги и ручку (когда навык натренирован, можно проделывать это упражнение устно или даже в уме, но начинать лучше с записей).
2. Напишите любое слово, к которому будете придумывать ассоциации. Например, «Небо».
3. Придумайте ассоциацию к первому слову, дальше — ассоциацию к ассоциации, и снова ассоциацию ко второй ассоциации.
4. Соедините искомое слово и третью ассоциацию. Пример:1. Небо (ассоциация)2. Голубое (ассоциация)3. Сапфир (ассоциация)
5. Камень
6. Небо + камень = каменное небо. Уже что-то интереснее, правда?

Друдлы
Друдлы — это картинки-головоломки, каждая из которых может быть интерпретирована по-разному. На первый взгляд небольшие черно-белые рисунки могут казаться абстрактными, но смысл в том, чтобы придумать как можно более необычную интерпретацию.

5 способов развить креативное мышление

Креативное мышление — один из важных навыков не только для того, чтобы заниматься творчеством, но и для того, чтобы его монетизировать. Делимся 5 простыми способами, которые помогут мыслить нестандартно.

1. Развивайте навык сторителлинга
Нам всем нравится читать и слушать истории. Не случайно сторителлинг так любят маркетологи. Люди действительно охотнее будут приобретать ваши произведения искусства, если вы поделитесь с ними их историями. Чтобы развить этот навык, можно тренироваться сочинять истории про кого и что угодно. Учитесь подмечать характеры героев, формировать сюжет и работать в ограниченных временных рамках.

2. Используйте актерские навыки
Ещё один немаловажный фактор монетизации творчества — это ваша харизма. Развить её помогают актерские техники. К примеру, во время прогулки вы можете поиграть с интенсивностью ходьбы: начать идти совсем медленно, придумывая, почему вы так ведете себя. Или, наоборот, перейти практически на бег, словно опаздываете на важную встречу.

3. Выстраивайте цепочки ассоциаций
Для успешной монетизации творчества также важно создавать у ваших поклонников прочные ассоциации с вами. Чтобы это сделать, имеет смысл потренироваться придумывать ассоциативные ряды даже там, где их на первый взгляд нет. Возьмите любой предмет, который привлекает ваше внимание, и запустите цепочку ассоциаций, связанных с ним. А дальше попробуйте сделать то же самое со своим творчеством.

4. Придумывайте способы поступать иначе
Зачастую проблемы в реализации могут быть связаны с тем, что мы слишком привыкаем идти по протоптанной дорожке. Если вы чувствуете, что застряли и стоите на месте, попробуйте по-другому взглянуть на привычные процессы, задавая себе вопросы: «А что, если? А как я могу сделать это ещё?» Дайте волю фантазии и придумывайте как можно больше способов нестандартно решить вопрос.

5. Ограничивайте себя
Наконец, ещё одна частая причина отсутствия конкретных и результативных шагов — это иллюзия, что впереди ещё так много времени, можно сделать это когда-нибудь потом. Поэтому задавайте себе рамки. К примеру, тренируйтесь написать картину на определенную тему за 1 неделю, попробуйте нарисовать здание, используя лишь 3 вида фигур, или портрет, используя только 3 цвета. Как ни странно, такие ограничения заставляют нас мыслить шире.